Clínica de Composición Sonora para Radio

Las Jornadas sobre La fantasía en los artefactos culturales tienen su primera actividad confirmada.
Se trata de una Clínica sobre Composición Sonora para Radio, la que estará a cargo de Hernán "Droopy" Risso Patrón.
La clínica se extenderá durante los tres días que durarán las Jornadas y tendrá una duración total de 10 horas.
Su desarrollo se llevará a cabo en las tardes del jueves 7 y viernes 8 y en la mañana del sábado 9 de octubre.
Hernán Risso Patrón es un conocido y talentoso sonomontajista que ha participado de la realización de numerosos filmes, tanto nacionales como extranjeros. Además, se desempeña como docente en la Universidad de Buenos Aires y en la Escuela Terciaria de Enseñanza de Radio (ETER), de la capital federal.
Esta actividad de capacitación está especialmente dirigida a realizadores radiofónicos con interés en explorar los entresijos de la narrativa sonora y los modos de potenciar la expresividad de sus textos.
De entre los copiosos antecedentes de "Droopy", conviene destacar que es uno de los miembros fundadores del Laboratorio Experimental de Arte Radiofónico (LEAR). Desde este organismo viene haciendo nutritivas contribuciones a la difusión del arte radiofónico. Algunas de las obras en las que intervino fueron presentadas en México y España. En el año 2004, su radioteatro "Luna Roja" obtuvo el primer premio de la categoría respectiva en la V Bienal Internacional de Radio, celebrada en México.
La participación en la Clínica Sonora podrá realizarse a través de la inscripción y el pago de un módico arancel. Las fechas a partir de las cuales estará habilitada esa inscripción serán dadas a conocer próximamente a través de este sitio.

Otra muestra de fantasía pictórica

John Pitre es un artista plástico estadounidense, formado en el Art Students League of New York. Su obra se nutre de visiones fantásticas como las de Un nuevo amanecer (óleo sobre tela, 24" x 32"). Sobre este trabajo, que su autor define como “comentario sociopolítico”, Pitre señala que recogió su aprehensión ante la construcción de arsenales nucleares que -en 1965- llevaban a cabo su país y la Unión Soviética. El artista utilizó su propio cuerpo como modelo para aventurar que aquella carrera armamentista pudo retrotraer a la humanidad a la época de las cavernas.

El sueño de volar (óleo sobre tela, 24" x 31") cuenta un viaje fantástico a través de un paisaje surrealista. El trabajo representa la fascinación de la humanidad con el vuelo y la exploración. Pitre argumenta que es la creatividad infinita de los seres humanos la que les permite construir un vehículo maravilloso con el cual resulte posible alcanzar sus sueños.

Si el primer óleo constituye una expresión futurista desesperanzada y antiutópica, el siguiente proclama su confianza en las capacidades humanas para alcanzar nuevas fronteras.

Tal como anunciamos antes, seguiremos presentando muestras de arte pictórico fantástico.

La fuga de la realidad

Mario Vargas Llosa teoriza que el viaje de los seres humanos hacia un mundo inventado obedece a su necesidad de evadirse de una realidad que los asquea.

Al aplicar esa tesis a la obra de Juan Carlos Onetti, el peruano asegura que eso se hace evidente ya en El pozo, un texto de 1939, en el que el protagonista utiliza la ficción para combatir sus neurosis.

Vargas Llosa lleva el planteo incluso más allá cuando sostiene que “el novelista de la frustración y de la fuga de una realidad detestable en aras de la fantasía es muy representativo de la América latina del fracaso y del subdesarrollo. No es caprichoso divisar detrás del mundo de derrotados, pesimistas, evadidos mentales, fantaseadores enloquecidos y marginados de toda índole que pueblan sus ficciones, una sociedad a cuya inmensa mayoría las decepciones, derrotas y frustraciones que les inflige la realidad induce a volar en el ensueño hacia la irrealidad[1]”.

Cuarenta años más tarde de que Onetti comenzara a edificar universos ficticios a fin de encontrar un lugar alternativo y menos asfixiante que la realidad, Carlos Trillo y Horacio Altuna reinciden en el procedimiento.

Surge así una historieta dedicada a las ensoñaciones de un hombrecito gris, cuyo mayor (y probablemente único) mérito sea participar con su apellido en el título de la publicación: Las puertitas del Sr. López.

La Argentina aún vivía bajo los rigores de un regimen dictatorial sanguinario y oscurantista, lo que confería al texto gráfico una dimensión que trascendía la triste figura individual de su protagonista.

López es un personaje a quien constantemente ignoran o, peor aún, humillan sus jefes, compañeros de trabajo y, particularmente, su esposa. En ese contexto irrespirable, López encuentra un modo de evasión al abrir la puerta de cualquier baño. Atravesar ese umbral supone ingresar a un mundo más grato en el que puede ejercer de gladiador heroico o convertirse en un seductor irresistible de mujeres esculturales.

Mientras el Eladio Linacero construido por Onetti posee una ínsita acritud, López solo exhibe una docilidad resignada, incapaz de otra rebeldía que esas fugaces escapadas que ni siquiera terminan bien.

Sabemos que sus huidas fantásticas no nos proponen comportamientos ejemplares, pero ambas obras ofrecen la clara denuncia de unas existencias degradadas.

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[1] Vargas Llosa, M.: El viaje a la ficción. Alfaguara. Buenos Aires, 2009. Pág. 230.

Dos finales en clave fantástica

En un post anterior ya hicimos mención a Lost y a una realización británica que estuvo a su altura en cuanto a calidad: Ashes to ashes.

Una importante diferencia entre ambas es la duración. Mientras el producto americano necesitó más de 120 episodios para desplegar su trama, la serie de la BBC se desarrolló en apenas 40 capítulos (si consideramos sus dos ciclos: el primero, titulado “Life on mars” y el que lo sucedió, “Ashes to ashes”).

Otro rasgo distintivo es que, para furia de una parte de sus seguidores, Lost se cerró sin ofrecer respuestas a muchos de los interrogantes que había ido habilitando a lo largo de seis años. En cambio, tras sus cinco temporadas Ashes… no dejó ningún cabo por atar.

También puede decirse que mientras el universo de Lost estuvo poblado por numerosos personajes, la realización del Reino Unido circunscribió la historia al interjuego entre un número menor de protagonistas.

Finalmente, mientras en Lost el concepto de realidad siempre se vio jaqueado por la irrupción de lo desconocido y lo fantástico, estos elementos aparecieron con discontinuidad y menor definición en Ashes.

No obstante, las dos realizaciones tuvieron un tema en común.

Si hay lectores que no las vieron y desean evitar spoilers, recomendamos dejar la lectura en este punto.

El aspecto compartido, que se hace visible en los finales de ambas series, es que plantearon una perspectiva del tránsito hacia la eternidad.

En Lost, los implicados vuelven a reunirse en algún futuro imprecisado para dar ese paso colectivamente. Y lo hacen en un templo, tal como algunas temporadas antes Eko (el falso sacerdote) había anunciado que habría de suceder.

Los seguidores debaten ahora si los autores cumplieron la palabra empeñada hace varios años, cuando sostuvieron que los personajes no estaban muertos. Parece que efectivamente lo hicieron. Aunque luego no se privaron de llevarlos a ese estado.

En Ashes to ashes la revelación es más impactante porque no había indicios suficientes en tal sentido. Sin embargo, no solo Sam Tyler y Alex Drake (en el primer y segundo ciclo, respectivamente) habían muerto. También Ray, Chris y Shaz e, incluso, el omnipotente Gene Hunt, con el agregado de que éste último –aún de manera inconciente, por una jugarreta de la memoria– es el guía que los conduce a esa condición definitiva.

Como pasa con Lost, la finalización de Ashes to ashes también habrá de generar nostalgias entre los seguidores.

Por eso, las Jornadas sobre Lo fantástico en los artefactos culturales nos ofrecerán una buena oportunidad de recuperarlas a través del análisis. Recuerden: los esperamos en octubre. Hay más información en posteos previos.